Martin Scorsese, classe 1942, è universalmente considerato come uno dei più importanti registi della storia della Settima arte.
L'autore è stato capace di lasciare, con il suo cinema, un'impronta indelebile in tutte le epoche che attraversa e viene ricordato per il suo stile avvolgente, raffinato e iperrealista, che si traduce in virtuosi movimenti di macchina, utilizzati per accompagnare contenuti legati alla violenza insita nell’uomo, al senso di colpa, al peccato e alla religione.
In occasione del suo compleanno, ecco la top 5 dei migliori film di Martin Scorsese:
5) FUORI ORARIO (1985)
Una piccola produzione indipendente, che si rivela tra i suoi titoli più riusciti nonché in assoluto il più divertente: una girandola surreale di colpi di scena a metà tra i racconti di Kafka e le slapstick comedy attorno a uno stralunato e iellatissimo antieroe impersonato dall’ottimo Griffin Dunne (anche produttore). La folle notte nel quartiere newyorkese di Soho comprende l’incontro con inquietanti figure femminili – l’autolesionista, la dark, la fanatica degli anni ’60, l’artista “materna” – e vari altri personaggi stravaganti, fino a culminare nella paradossale fuga del protagonista inseguito dalla folla impazzita.
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4) QUEI BRAVI RAGAZZI (1990)
Una lucidissima analisi di un micromondo che ospita esseri di infinita meschinità e ormai privi di alcun senso dell’onore, un affresco socio-culturale con dialoghi di sorprendente naturalismo che vanno ben oltre lo stereotipo etnico. I fermi immagine congelano l’espressività animalesca dell’atto violento, gli incredibili piani-sequenza fanno girare la testa (memorabile sia la carrellata sulle facce dei compari che l’ingresso di Karen e Henry negli inferi del Copacabana), mentre una soundtrack infinita ci accompagna alla stregua di un juke box impazzito. Scorsese (quasi) al suo meglio, a dispetto dell’unico Oscar conquistato su sei nomination.
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3) L’ETÀ DELL’INNOCENZA (1993)
Potrebbe sembrare anomalo l’accostamento tra Martin Scorsese, cantore della New York contemporanea e del suo marciume metropolitano, e il romanzo di Edith Warthon, ambientato tra i merletti e i pettegolezzi dell’alto-borghesia americana ottocentesca. E, invece, raramente un matrimonio cinematografico fu così felice: in una ricostruzione d’epoca tanto maestosa e realista da poter essere accostata solo al perfezionismo viscontiano, l’analisi di questo microcosmo soffocato dalle convenzioni sociali e dal culto caparbio delle apparenze è impeccabile e chirurgica proprio come quella dell’universo mafioso in Quei bravi ragazzi (1990). Attori in stato di grazia, inquadrature che ricordano quadri di Monet o Seurat, precisione millimetrica nelle scenografie (di Dante Ferretti) e nei costumi (di Gabriella Pescucci, l’unico Oscar conquistato dal film). Meraviglioso.
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2) TORO SCATENATO (1980)
Scandita in tappe che alternano gli incontri sul ring ai momenti di una vita personale sopra le righe, la parabola sportiva/esistenziale di LaMotta disgrega i confini del film pugilistico, perché all’autore interessa principalmente esplorare la personalità brutale e l’autolesionismo del protagonista e ritrarre l’affresco sociale di un mondo corrotto e violento (la boxe e i suoi legami con la malavita). Dalla splendida apertura sulle note della Cavalleria rusticana alle sequenze dei match filmate con abbacinante, visionario realismo, il film gode del superbo bianco e nero di Michael Chapman (inframmezzato di alcuni spezzoni a colori) e del montaggio della fedele Thelma Schoonmaker, premiato con l’Oscar.
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1) TAXI DRIVER (1976)
Dal “casuale” sodalizio con Paul Schrader, ex critico cinematografico passato alla sceneggiatura, nasce il capolavoro assoluto di Martin Scorsese: un viaggio allucinato in una mente deviata e in una New York mai così sporca e infernale. La città, ritratta nelle vivide luci notturne della fotografia di Michael Chapman, è specchio di una nazione incapace di superare la pesante eredità del Vietnam e che nasconde la sporcizia sotto il tappeto della politica più ipocrita. Su questa società corrotta, putrescente e razzista, l’alienato Travis, antieroe per eccellenza del cinema revisionista della New Hollywood, non può che invocare un catartico “diluvio universale” o scatenare in prima persona la sua rabbia repressa. Tante le sequenze entrate nella storia, dall’impressionante monologo del protagonista (il cui «Are you talkin’ to me?» è diventato una battuta cult) allo sconvolgente massacro del pre-finale: attraverso l’uso della violenza, paradossalmente, Travis ottiene il reinserimento nella società. Indimenticabili la colonna sonora jazz di Bernard Herrmann, la presenza dell’ancor giovanissima Jodie Foster e soprattutto la gigantesca performance di un iconico Robert De Niro.
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